Isabel Barros

In this “game” the characters succeed themselves rapidly, announcing a perfect control of their movement, although it is voluntary uncertain. Always present an urgency state, the feeling of a possible and eminent catastrophe, and simultaneously all the jubilation of accepting the risk of this ball, where the familiarity of the inter-corporals meetings send us to any quotidian now seen over the “dancing” prism.”
In scene a triangle is being defined by: Men-Woman facing backstage/Men-Woman in action/ Wedding dress hang up. The Men dresses a women dress half-open on the back, the woman begins in lingerie and ends with a dress-coat and boxing gloves, passing meanwhile by the wedding dress, and in the other point of the triangle, parallel to the men, is a wedding dress suspended. It is created from this mode, a parallel woof of motivations: the papers ambivalence in sexuality and the weight of the own memory. The memory’s weight is suggested by a video projection of the woman in her movements in the suspended dress, as by the cloths that the interpreters use - The cloths are not any skin, they are fighting objects (boxing) or classified (wedding). In Eléctrica, is like an offer to ourselves of a circumstance harmony, or fatality, that is throwing signs of something more visceral. The woman performs simple and geometrical sequences in contrast with the sound of her breathe. One woman in an action without sense in contrast with masculine-feminine figure which is sonorizes states: sings, whispers, cries, stylizes -always on his back.
Two choreographers, the Israeli Yasmeen Godder and the Portuguese Isabel Barros, closed the cycle “InContemporâneo”, a part of the festival “Invicta Cidade que Dança” [Invicta, City that Dances]. Though geographically distant, the creators present close languages in which the body takes the role of the shape where contents are inscribed and the text appears to amplify the potential of the enunciation of movement.

Yasmeen Godder presented two creations: Tagidi Shalom Yaffe #2 ( say hello/ goodbye nicely), and Aleena’s Wall. In both works it is clear a reflexive and mnemonic choreographic strategy in which there is a “play” between the visible and the interiority; the appearance and the imaginary. The spectator is left to accept the provocation to recover the gesture over the shape of the memory.

In Tagidi Shalom Yaffe #2 (performed by Yasmeen Godder and Amanda Loulaki) the story of two women is told, “each one in its own world, and together in their sense of self-destruction and lack of attachment for what surrounds them”, as the author mentions. An intimacy to a public and private time is played in the “danceable reality” appears based in quotidian gestures, in significant and symbolic gestures (as for suitcases, shoes, dolls). The dress, simultaneously restraint and liberator, is used as a tale of a feminine identity that is rehearsed. It will be that same “dress - corset” which accompanies us (now, under the shape of a match box) in Aleena’s Wall. In this solo, accompanied by Margarida Mestre who lends her voice to it, we search once more the real proximity of the inter-subjectivity in which living the quotidian situations reinvents constantly the act of dancing.

Isabel Barros presented Cena 7 Screen 22 [Scene 7 Screen 22] where it is clear the aesthetical option of this choreographer to explore the expressive possibilities of the crossing between diverse artistic areas, as dance, theatre, music. In Cena 7 Screen 22 [Scene 7 Screen 22] performed by Elizabete Magalhães, Sónia Cunha, Vera Santos, Edgar Fernandes, Miguel Teixeira, and with the participation of Carlos Guedes’s music and Regina Guimarães’s texts, we witness the (re)enacting of a ball of several characters. As the author warns us, “performers and characters coming out of Eléctrica(96), Screen 24 fracturas expostas(97) and Acidente de Automóvel cor de laranja 10 vezes (98), meet in a space as if everything is simply a game of piece manipulation”. In this “play” the characters come together rapidly, announcing a perfect control of their movement, even if this is voluntarily uncertain. Always in a state of urgency, with the feeling of possible and impending catastrophe, and simultaneously all the joy of accepting the risk of this ball, in which the familiarity of the inter-bodily encounters sends us to any given every day now seen through a “dancing” prism.

As a final analysis of this “InContemporâneo”, promoted by the Núcleo de Experimentação Coreográfica (NEC) [Nucleus of Choreographical Experimentation] within the Festival Internacional de Dança do Porto [International Dance Festival of Porto], it is worth to mention the strong attendance of public who filled up the Auditorium of Teatro do Campo Alegre. This festival continues over the 22, 23 and 24 of this month with the project “Quadros de Dança” [Pictures of Dance], where the choreographies inspired in the architecture of Teatro do Campo Alegre will be shown. The festival has also the project Sub-18 destined to younger performers (day 25), and the show “Yô Yô” which will be on stage from the day 26 in the Solar de Ferrazes.

It is worth saying Invicta City that Dances.

How is this Alugo-me para Sonhar [I lease myself to dream] born and how does it become a reality?

I read and write a lot before starting each creation. Since Lá où je dors, created in 2002, and in which the space was the space of the place of dreams, I knew I would have to go back in a new creation to that theme and Place. I wanted to develop this idea together with a fellow collaborator, Helena Medeiros. Together we worked for a very long time in the images and mainly the creatures that would inhabit that Place – The Birds. The passion for birds, the charm of its chirps and the happiness of the flight were my biggest impulse in the creation of stories and the construction of this Place. After all the work of previous preparation, I began rehearsals with the musician, Jonathan Saldanha, and the two performers, Elisabete Magalhães and Luísa Brandão. It was quite intense and enveloping. The composition was done through the improvisation about the topics I suggested and the stories of the body and voice were born in an organic way until they developed a shape. The musician, always present at rehearsals, was creating simultaneously with all the work of the performers.

Which work is entailed in the conception of a work of this nature from beginning to end? Which degree of demand do you ask of yourself?

Before I begin, I do this whole work of research of materials, texts, films, images, all that I consider that is directly and indirectly to do with what is going to be created. When I start rehearsals, intuitively I take options but always in a very open way, as if I didn’t intend to achieve any aim, in the sense of the finished work. I like to see how the performers appropriate and transform the materials I give them. Slowly the images which inhabit silently my mind start to appear naturally. The little stories start to gain shape and we achieve something closely related to an ending. During rehearsals’ period, daily I update and renew materials, I like to experiment and end up always leaving many scenes and many moments out. I learned it is fundamental not to keep everything. During that time, my look is profoundly attentive, I consume every second and I am always very restlessness in the sense to try to find that which has not appeared, but that I know exists and will appear. I believe very much in what I feel in rapport to what performer is.

When do you feel that the show you conceived has achieved its goals and gained a life of its own?

Only when the show is publicly presented, can I understand some things. This is the moment of the test; it is exposed to the eye. At that moment, it also has a life of its own, it is in absolute in the body of the performers, it belongs to them.

I lease myself to dream follows the topics explored in previous works such as “Quarto Escuro”[Dark Room], “Pó”[Dust] and “Là Où Je Dors”, this is, the places and the creatures of the space of the dream. Is this a space you like to explore and always come back to ?

I like the freedom of creating, moving away from the natural order of things. By creating a Place, populated by creatures different from those we find in the everyday. I believe in disturbing the logic, the weight, Nature. I believe in provoking restlessness, perplexity and mainly to trigger imagination. I see dance as a privileged place to the disturbance of the senses. I am fascinated by singing. I think it would be wonderful for all of human communication to be sung, as if we were birds on the ground. In dreams I can and do that: I hear men singing, I see people flying, I find a thousand different and powerful creatures which then disappear and only reencounter again There, where I sleep.

The title of this play was taken from a short story of Gabriel Garcia Marquez. The writing of the author suits well the dream this presentation addresses?

The writing of Garcia Marquez has nothing to do with the play. I stole the title solely because I always do it when I have to decide a title. For me a title has many purposes. I LEASE MYSELF TO DREAM, could be the name of a film, a painting, an individual performance on the street – I imagine a woman with a sign written: I lease myself to dream. The titles are names which intend to introduce in any way the first contact. In this case, I thought this one was very beautiful and for me it has two meanings. On the one hand, it sends us to a dream which is the theme of the play, on the other we, by making a show, are in a way leasing our body for some time to be able to dream, and to make others dream, this I also find very interesting.

To your mind, how is dance in Portugal? Is it a case of living or surviving?

Dance is stronger and more mature. Today, there are diverse structures, created by choreographers of my generation, who in the same way as we (balleteatro) do, give boost to other choreographers and work both as reference and promoters of new generations. There are many and diverse poetics. There are theatres and, as always, there is still a long away to go for the circulation to happen in an effective way. There is also a structure, the REDE [NET], which is composed by several structures of contemporary dance in the country that has contributed to strengthen and defend several questions related to dance in Portugal.

Regarding Balleteatro, on balance which is the evaluation of the current activity of the company?

It continues to have a regular activity; it presents two new creations a year. It is a very dynamic structure which allows professionals (performers) and collaborators, essentially from the city of Porto, but not only, to work in diversified projects. It has been in the past years, partner with Teatro Nacional S.João and Rivoli Teatro Municipal (until 2005), and searches nowadays for partnerships which allow it to be a reference. In parallel to the work of creation, it promotes Residences, trying to create more and more a space of share and strengthening of the dance community of Porto.

To end, what can the audience of the Espinho Auditorium expect from this premiere on the 17th November?

They will be the first to discover a creation done by a passionate team with enthusiasm and eagerness to share rapidly this Place. We lease ourselves to dream, the public is invited to enter.

Isabel Barros Granja, 11th November 2007

One of the principles in the constructions of Isabel Barros is the association of the interruption and the fragmentation. On one hand, her works normally expose a collection of parallel situations and/or simultaneous, creating a fragmentary panel. On the other hand, they present a thematic and choreographic continuum that is submitted to cuts more or less brusque. The repetition, the variation, the existence of an element that evolves in the happening, contributes to the notion of something that continues beyond his interruption. An interruption that can be given by changes in the music, new objects, alterations in the gestuality or in the action speed. As well as, the bodies on stage when doubly assuming themselves as performers and social bodies, they contribute to the (con)fusion between what remains and what finishes. On the other hand, all of them by norm present a carefully treated aspect and produce concrete actions, helping us to memorize them and to relate them with later moments, on the other hand, they don’t tie themselves to a unique physiognomy and psychology. These quasi-characters, in the works of I.B., with facility disconnect and unfasten themselves from their relations or actions. They are intense, but avoid psychologisms. They create a fracture to rapidly pass to another case. From this association, interruption-fragmentation, what seems to stand out is the idea of end, but an end without contours because something drifts. To the choreographer interests above all to catch, or if we want to recreate, qualities of a given feeling which after been interrupted drifts through a fragmented space as a species of memory. If of a Tragic sense we could talk in the works of I.B., it would be at the level of the containment of the most exacerbate feelings. Normally don’t exist, in her works, exalted or expose feelings like hate, affection, revenge, acceptation. Curiously, the game passes through a formality not much of the compositions, but in the choice of the signs and the matters. The quotidian actions, the objects, the clothes are meticulously selected in function of the clearness with that they can communicate the way of being in the modernity, this is, all of them have a griffe. The movements of the bodies on scene complement themselves by the use of the trunk, the power centre; and by the softer movements of the extremities. In her attention and concentration of what is more circumscriptive - the potential, the moment, a case-, the choreographer lets emerge natures of feminine such as, the generation and the matter; throwing to a second plan the perspective and the configuration. Characteristics than revise themselves in her choreographer phrasing where is privileged the intensities of the movement to his variety, gestures to the spatiality of the movement, action to the figuration, parts of the body to the harmonic body, the interrelational to the collective. The body-realities created in scene by the choreographer, contribute to evidence and reinforce the symptomatic side, synchronous, residual and textual. Of fragile gestures, routines, of contrasts of images between the strong of the muscle and the fragile of the action, from the endurance and the embellishment. And it’s here that her dances found the theatrical and found the feminine in an ambiance of humors alternation, from the creative of humors. Of the micro stories. The dress and the undress, for example, functions as specie of portable skin, which illustrates and hides, that throw us in that characterizing gesture and in one stereotyped feminine. But there is also to register the game with the deconstruction (not opposition) of functionality and non-functionality of the proper vestments, it creates an instable dynamic of loss and gain of sense of the proper act (dress/undress). In Screen (1997), the dancers repeatedly and regularly, choose from the wardrobe exposed their vests, vests designed and that send for diverse ends. Trough the dress/undress, the bodies loose not their identity, but the possibility of identity exactly because when dressing and when undressing their functional character is being removed, the one of the shelter or the one of the ornament, and because the proper skin comes devaluated or ephemerized. In fact, in the end they through, play, spread clothes trough all the stage. These actions serve to I.B. on one hand, the instability on the feminine, on the other hand, the search of the proper feminine. The boy in Screen help us to understand this. He is isolated despite of being in the seine of women. The boy observes the women, search the model. But what model? They are instable, almost imaginaries. The women (mothers, sisters, fairies) move themselves therefore in sensual dances therefore in vertiginous fall; disfigure their?faces, they stage continually new situations changing their clothes, transfigure themselves?to announce other “parties”. But if in Screen, the clothes serve to the instability of a feminine identity, in Perigo de Explosão (1995), the exchange of clothes serves principally the affective relation and condition. Here, the cloth exchange appears doubly as a structuring element of the choreography- it is through it that the succession of situations verifies itself-, and as an element of social and affective materiality- the women, on one side of the scene, take off their day-by-day clothes, take their breasts, and dress wedding dresses, and in this way, we review ourselves quickly in another context, the marriage. However, it is not the marriage as ceremony that is being treated here, but the ceremony of feeling - let us think in the brides that parade to the sound of a Purcell’s dead march and take their dresses until the a waist. This transposition of what is manifesting of a civilization system to reach the plan of affections and the ritual of affections, it is by the way, one of the recurring factors in the process of I.B.. And it is through the manifestation and stages in life that the bodies suggest possible feelings in potency. In Eléctrica (1996), is explored a synthesis of this enunciated, but also in Quarto Escuro where is explored a place of a potential feeling: the Fear. In much of her works we assist to the convivial between the visceral, the surface, the (non)relation. Therefore, also the Dream an important theme to I.B. and that in Lá oú je dors (2002) it presents as a parade sometimes surreal, sometimes circus like, or sometimes, a metaphor parade of a paleness and of an evanescence of a body between there and here.
“[Là oú Je Dors] is a genre of surrealistic dance theatre steeped in a dream-like landscape, with fantastic spacial architecture. Choreography springs from the desires of the stage personnas as they build relationships. There is a delightful integration of circus, gymnastics and references to 19th century culture. And in the end, the work emanates beauty and imaginative play for audiences.”
In the sonnet “Correspondence” from Baudelaire – magnificent manifest and counter-manifest of the symbolist art- the poet proposes a new forest design where, lost and found as in a fairy tail, the man gathers the echoes with whom constructs the language and the machines. Fit us the interrogation of the echoes: would they be the reflexes of that “tenebrous and profound unity” or, on the contrary, resonances of the great breaches, projections of a primitive missing adjustment that only the gesture can return continuity, maybe harmony. And because the machines always speak to us about the language presuppositions, we pretend with this “gesture” affirm at the same time the forest and the way, the implosion and the expansion of all signs.

The inner wall - valter hugo mãe. The portraits that are made from this blood-coloured wall are like continuous flow, breath of the imagination, free evocation of what one wants to make present, as if reality were above all what we can make of it.
Imagine reality, you could start by telling yourself. Imagine that reality is what we imagine. Let us imagine that everything was like this and could be constructed, as in different phases of a children's game, where enough of one situation would allow another to happen, especially when their questions are exhausted, their questions are defined to the limit, like death.
Imagine that death after death we can continue to change the portrait to a new portrait of what reality is, what we are, what the others are, as if in the game we were given a new game, a new opportunity for a tiny happiness or, dramatically, always die, die differently.

Let us enter in this play as opening a range of moving images that are themselves predators of our gestures, of our anxieties and fears, images that grab in us what we have of daily life and what in our daily lives leads us to the exception. We are all an exception at a certain moment, we all reach any point of logical sufficiency from which we enter an unfathomable or an illusion. Reality is also an illusion, and we are deluded by everything, especially by ourselves, except perhaps in the inevitability of death. Death is the image that stops. The one which, in this game of cat and mouse, hunts us and stops us once and for all. But not here, in the work of Isabel Barros, here does not stop us permanently because we are unravelling a succession of hypotheses, a succession of expectations, of attempts. We tried to escape. We try to find in the movement and in all we can evoke a method to escape, perhaps to survive, perhaps to be again, to start again, like another, elsewhere, to continue living and never to die.
Isabel Barros's scarlet wall, which composes portraits, pulsates, it runs blood like a vein and imagines life because it is a wall inside the body, inside the head. It is the projection and screen of a film of forward and backward movements in which one seeks and momentarily finds oneself. It is the whole of life that moves before us, placing and replacing itself as fitting pieces of a puzzle that we build in the simple intuition of being alive. To live is that, a tacit puzzle that we solve with more or less ease, more or less aware of what we are doing, while we are convinced that we exist for other reasons, while we want to endow time with a spirituality or importance such that to justify the anguish, loss, emptiness, the rush to the end.
This work of Isabel Barros is of an immediate, intense beauty, made of an enviable spontaneity, based on an intelligent perception of the freedom of the interpreter, who clearly could grow within the narrative, finding its particular comfort. And this is a work of three rigorous performers, expressive within a mature containment, very well achieved, between the ecstatic and the disturbance, between the almost geometric gesture and the disassembled gesture of amusement. Jaime C. Soares, also author of the text that says, Sónia Cunha and Carlos Silva were able to imagine what Isabel Barros imagined, and from illusion to illusion made the reality of a few characters that get tired in the course of this show. They are tired of how much it happens, to see if something else happens, to see if what happens leads them to a different end, if death is not the end that one has to imagine, as if imagining an end could be to return to the beginning or, who knows, to imagine an end would be only the slogan for the spectator to free himself and start the game himself, with his own life, imagining and creating himself as he can. Before death, before death destroys the movement and we cannot all imagine anything else. A brilliant proposal by these artists is to make us start over.

PAN ÓRAMA evolves around the construction of a love story, which, in its simplicity, carried the burden of existence, here and now.

Two bodies, independently of their genre, start with swinging round objects – the world. A world which dissolves, which opens up in small narratives, deconstructed and processed by the urge to go further, to reach a place Isabel Barros has been exploring, the dream. This place enhances the surreal, the onirical, the very much the poem.

Starting with a poem by Regina Guimarães, paths start being unveiled, whether they are strange and distant or closer to us, and it is in this closeness that we see our reflection. Love is, undoubtedly, the starting point, but not always the arriving one – some times those bodies take us until the end, to the farewell, for instance, or the proximity, we learn to touch the other without hurting him, but sometimes it hurts – i tis suppose to – what would happen to love without pain? And of course, what would happen to art without pain?

The stage is a safe place for the creation of new places; when I say ‘new’, I mean ‘other’. Pan órama is an exemple of that: in the short period of time in which the performatic moment is held, those bodies inhabitate the passage of time and, as a consequence, the passage of the places – there, where other bodies and other things inhabitate (things that we recognize but that not always remembre of their veracity). Us and the others, who also love each other, and who also come to an end.

Pan órama ends, because everything has to have an end, just like love, that when it reaches the end of the line, it stops – I feel that stopping doesn’t mean vanishing.

In that story (in those stories), the flour stays after the bread.


Flávio Rodrigues, 2011

Isabel Barros was supposed to be contained twenty years ago, as if it were an object, on the verge of despair, ready to become the tension that Albuquerque Mendes imagined. In fact, for twenty years Albuquerque Mendes has been preparing a choreography, although he confesses that it may never be performed. "Isabel should perform completely contained, icy dance steps and her expression should be rigid in the jaws like the women I saw in Trancoso Church, without music, being put onto her (note that they were not offering) flowers in the corners. "Albuquerque Mendes told us yesterday in a conversation at the Balleteatro building in Oporto. There was always something in the dance that she always liked, never having learned it, - perhaps, she tells us, it may have been a sexual impulse. But this idea always on the verge of any cataclysm that Isabel Barros should interpret, it never came, before yesterday, to anything more than a conversation between the two artists. The description begins. Isabel ... Isabel Barros was supposed to wear a costume characteristic of the late nineteenth century, she would wear boots brown burned-earth, with gestures always very stiff, very difficult, but withdrawn. Gestures that sent us simultaneously to other ballets. It would be, as the artist said, the memory she had in her own body. Unintentionally, there was a story, a tradition in it. There would be no music. Or perhaps there was an innocuous headset in the ears of Isabel Barros to support every move. The public would not have access. But, a little nervous, Albuquerque Mendes confesses that if that were the case, the audience would intercept, desperately trying to hear the same thing as the dancer. (as he tells us this, he goes on passing songs that inspired him in the creation of the choreography: Nina Hagen, Adriana Calcanhoto, Amália Rodrigues and Vinicius in an unpublished recording).

Isabel would be dressed as if she were a nineteenth-century maid, with a dress that would end at the waist, a bodice that would allow us to see the area around the navel and stomach. Her hair would be pulled up and her face soaked with white powder talc. The tics - these, had nothing to do with the servile aspect that Isabel should wear. She would be like that waiting for her purse or anything that would transform her life, but without sound. You should let the fado of Lisbon lay on your skin. All positions would be very dry.

This show is a drama, it comes with all the harms that the dance has brought me. It happens in a time that serves us absolutely not at all, for I will never do it - but it consumes me, you should see the harms of this project in me ... twenty years ago. And do you imagine how these twenty years transformed Isabel's body? Isabel meanwhile became pregnant ... and then? Then I was continually re-adapting my form to my choreographies. Albuquerque Mendes wanted Isabel Barros to be almost as monochromatic as Ângelo de Sousa, very simple, like a television screen without being connected. Mendes will always be a figurative artist, but this ... this is to me the monochrome that consumes him and which he retracts contiguously as if he were on the brink of an explosion. Albuquerque Mendes would be the woman on the frozen lake, and Isabel Barros the painter waiting to capture her monochrome side in action. And that's why I think God exists-He confesses to us in a tone of voice altered from the rest, through this gap, this space to take magic steps and mix incommensurate ingredients, such as the discovery of mayonnaise! Like wine ...

This choreography thought throughout all these years is a challenge for Mendes which occupies space in him and we hear the castanets of the La Argentinita. Yesterday in the Malefícios da Dança, performance by Albuquerque Mendes, the report of the choreography by itself thought about, after twenty years, was heard. Questions?! There are no questions.

Réflexion autour de Lições de voo [Leçons de vol] (2019), création du Théâtre de Marionnettes de Porto, dans une mise en scène d’Isabel Barros. Un spectacle qui part de la poétique de l’acte de voler et met en lumière l’animisme dans le théâtre de marionnettes. Scénographie et chorégraphie se côtoient pour créer un espace onirique, nous invitant à prendre des risques et à récolter les désirs de vol et d’utopie logés dans notre imaginaire.

Illusion et animisme
Le rêve du vol est, selon Bachelard, lié à l’instinct de survivance et au besoin de légèreté ressenti par l’imaginaire de l’être humain. Si l’envie de voler est pour la psychanalyse liée à l’expérience cathartique, dans le cadre de la création théâtrale, la relation entre vol et catharsis résonne, ouvrant les possibilités dramaturgiques.

Lições de voo [Leçons de vol] (2019) du Théâtre de Marionnettes de Porto[1] propose d’explorer la poétique de l’acte de voler, menant à une découverte des variations de la gravité et de la suspension des marionnettes et des manipulateurs/interprètes. La dramaturgie a eu comme point de départ une vingtaine d’illustrations de João Vaz de Carvalho, faisant suite à la collaboration menée en 2013, pendant la mise en scène de Pelos Cabelos. Parallèlement au spectacle, la metteuse en scène a réalisé des ateliers d’illustration et d’écriture créative avec des enfants à partir de l’œuvre de João Vaz de Carvalho.

Le spectacle, classifié pour plus de 3 ans, évoque un ensemble de mouvements et de paysages associés aux figures de l’air, explorant les différentes possibilités de vol par des animaux, des humains et des machines. Par contraste sont évoquées les formes d’enracinement à la terre. Les mouvements liés à l’acte de voler se voient décelés : osciller, flotter, sauter, brasser, enjamber, tomber. À leur tour, les images qui motivent le vol s’enchaînent, représentées par des dispositifs scéniques et des marionnettes : une rampe pour planche à roulettes, une machine à voler, un canard, des oiseaux, le bruit du vent.

Le spectacle, extrêmement visuel, donne cependant le juste espace à la parole, multipliant les possibilités expressives des voix qui se partagent entre le chant, le récit, la poésie et la recréation des langages imaginés pour les figures de l’air. À quelques endroits dans le texte, les interprètes utilisent le langage gestuel portugais, reprenant l’expérience entamée dans la création Como um carrossel (2017), recours qui intensifie la poétique du récit, ouvrant les possibilités narratives. Il s’agit d’un autre récit qui raconte une deuxième version de l’histoire, en articulation avec les marionnettes. Les onomatopées deviennent visuelles et le geste semble prolonger la manipulation des êtres imaginaires.

Le lien entre le rêve du vol et l’appel au voyage est tissé par des onomatopées qui s’associent aux bruits du vent et à des jeux de mots, tel que le tour de parole entre les deux personnages qui se renvoient la balle en répétant : « Vou ! Voa ! » [Je vais ! Vol !], où la marionnette d’une jeune fille avec les cheveux en l’air penchant d’un côté essaye de s’envoler. Emportée par le vent et par le souffle des voix qui témoignent du désir de voler, la jeune fille saute, hésite, oscille, marche maladroitement et tombe plusieurs fois avant de risquer le vol.

Paysages en mutation
Si les figures de l’air sont hybrides, les paysages surgissent, à leur tour, avec des repères symboliques qui nourrissent l’identité dynamique des lieux évoqués. Les paysages sont aussi des éléments en mutation et à peine ébauchés, afin de nous laisser l’espace pour imaginer le lieu onirique de l’action : une dune qui devient une rampe de planche à roulettes ; une montagne enneigée qui devient un aérodrome. D’ailleurs, le paysage est souvent évoqué par le mouvement et la configuration des marionnettes sur scène. Par exemple, ce qui nous permet de reconnaître la neige et de situer l’action sur une piste de ski vient du mouvement d’une drôle de libellule qui glisse dans le toboggan, soufflant pour maintenir son équilibre, en essayant de vaincre le froid. En outre, nous observons aussi le mouvement inverse, quand le personnage devient un élément du paysage : « J’étais déjà le désert » affirme Flyer, justifiant son besoin de partir.

Abu est un lieu imaginaire situé dans le désert, habité par une jeune fille qui s’amuse à raconter le nombre d’oiseaux qui passent et par son grand-père qui lui apprend son secret pour pouvoir s’envoler sans ailes. D’après sa formule magique, il suffit d’écouter le vent, en soufflant profondément. Cet endroit sans frontières se situe sur une dune, grâce à un dispositif scénique central qui est une sorte de toboggan géant où s’enchaînent les possibilités de parcourir l’espace sur une pente. Derrière, un tremplin soutient le jeu ludique de l’ascension. Cependant, le mouvement de légèreté du saut est aussi exploré par le contraste entre la gravité et l’errance. Au-delà du rêve de légèreté, de liberté et d’envol que l’on reconnaît dans l’esthétique de la metteuse en scène, on dirait qu’il y a tout de même un lieu obscur qu’elle est intéressée à explorer ici. Le parcours du toboggan est souvent une escalade qui renvoie à la chute. Ainsi, la rampe qui mène au vol et au rêve devient un espace cloisonné où il faut se battre, avant de ressentir plus intensément l’émotion du décollage. Dans l’espace scénique qui confine leurs mouvements, les personnages sont souvent confrontés à la verticalité, attirés successivement par le haut et par le bas, par l’envol et par la chute.

Utopie et métamorphose
La relation entre le vent et le souffle sera un lien conducteur de la narration et de l’esthétique du spectacle. Les images du vent sont recréées dans les ambiances sonores, les effets visuels et les voix qui soufflent, récréant le bruit du vent et le langage des oiseaux. Le vent et le souffle se matérialisent également par le mouvement des corps, explorant l’équilibre et le vertige en parcourant la dune, ou encore par les jeux de tremplin où les corps semblent insufflés dans les sauts et les chutes, par les figurines amples qui les rendent plus proches des créatures de l’air zoomorphiques des marionnettes.

La manipulation à vue amplifie l’effet de métamorphose inhérent aux marionnettes, ouvrant les possibilités de transformation des corps agrégés. L’acteur en interaction avec la forme animée multiplie les réseaux proxémiques, par la façon dont le corps actant occupe l’espace et se situe vis-à-vis de la matière. La visibilité de l’interprète face à l’objet manipulé expose sur scène les distances entre le corps actant et la forme animée, l’organique et le matériel.

Les marionnettes et demi-marionnettes sont des figures de l’air où les corps surgissent agrégés : une marionnette anthropomorphique voltige liée à un oiseau dans un corps-à-corps avec l’interprète. Les figures sont également placées en friction par leur matérialité, leur sonorité : le bruit des engins à voler contraste avec le chant des oiseaux. Les corps suspendus se voient aussi fragmentés : le haut du corps d’une marionnette décolle comme une fusée, tandis que ses jambes restent enracinées au sol, soulignant encore le contraste entre la gravité et la suspension. L’image du vol lié au rêve est explorée par ces deux mouvements contraires, nous situant dans un univers onirique qui accueille l’utopie et l’irréalisable. C’est dans ce sens qu’Isabel Barros se réfère à l’intemporalité des marionnettes, dont « les capacités illimitées ouvrent l’entrée dans le domaine du fantastique, de l’onirique. […] Avec la marionnette, le rêve ou les images des rêves peuvent être matérialisés » (Traduction libre).

La poétique du vol est un fil conducteur dans les spectacles d’Isabel Barros, identifié comme une source très chère dans son processus de création. Les marionnettes sont, dans son imaginaire, « des êtres de légèreté qui dessinent des poèmes par le mouvement. Libérées des contraintes fonctionnelles du corps humain, les marionnettes sont capables de transporter le public vers les lieux les plus surréels, touchant l’univers des rêves, notamment par le vol, ou par les suspensions dans l’air. » (Barros, 2015. Traduction libre.)

La présence des formes animées sur scène éveille l’interaction entre le visible et l’invisible. Avec la manipulation à vue, le marionnettiste joue en interaction avec la marionnette, découvrant les limites et les possibilités de son corps qui s’articule avec le corps fictif. Si l’acteur est en train de corporaliser l’objet (lui donnant vie), la matière est à son tour incorporée (faisant corps avec le comédien). L’objet avec son pouvoir de dissimulation et de transformation éveille de nouvelles capacités de perception, tout en explorant ses limites et formes de transgression.

À leur tour, les voies d’énonciation se complexifient avec la visibilité du comédien qui ne surgit plus dissimulé sur scène, mais en interaction avec la forme animée. Nous passons d’un acteur qui s’énonce en tant que Je suis caché pour s’affirmer visiblement dans un Je suis là. Les différents artefacts utilisés altèrent les réseaux spatiaux et proxémiques de l’acteur avec la forme animée.

Si les rêves, et notamment ceux qui convoquent l’image du vol, nous permettent de sonder l’âme et les carrefours de notre perception, les marionnettes sont des intermédiaires privilégiés pour nous inviter à déformer le réel et oser les vols d’utopie. Par leur pouvoir d’illusion et d’animisme, elles nous lancent le défi de franchir les limites de l’imaginaire et les possibilités de la représentation. Les modalités du langage et les réseaux narratifs se multiplient par la double présence des marionnettes et des interprètes en manipulation à vue. L’animisme inhérent au théâtre de marionnettes nourrit notre imaginaire par son pacte de métamorphose des matières en transformation.

Bachelard, Gaston (1990). L’air et les songes. Essai sur l’imagination du mouvement. Paris : José Corti.

Barros, Isabel (2015). « Intérprete Espectador ». 15 años. 15 testemunhos Edição FIMFA Lx15 in Programme FIMFA Lx 15 (Consulté le 16/10/2020)

Barros, Isabel. « A intemporalidade das marionetas » Historique du Théâtre de Marionnettes de Porto (Consulté le 16/10/2020)

Levé, Édouard (2005). Autoportrait. Paris : P.O.L.

Yourcenar, Marguerite (1976). L’Œuvre au noir. Paris : Gallimard.


Um dia acordamos e a cidade tinha um ponto.

Como uma janela que se abriu para uma paisagem imensa e plena. Como um olhar que se espantou a ver.

Como uma criança grande a saltar de um lado para o outro.

A cidade que sempre soube resistir, que aguentou, que teve esperança, essa cidade um dia venceu.

Foi nessa cidade que nasci, cresci e trabalho. É aqui que encontro o meu sentido de missão, o propósito, o compromisso na construção.

Hoje, a cidade é o sonho tornado realidade, ou a realidade tornada sonho.

É inevitável neste primeiro texto do ano de 2016, falar de luz, falar do ano da luz que agora termina, e de como ela tão bem se espalhou pela cidade.

É inevitável falar de uma Câmara Municipal, que com enorme paixão e trabalho, tem demonstrado o que pode ser uma Cidade na sua dimensão alargada.

O Porto é uma cidade ponto. Uma cidade com marca, com carisma, onde todos encontram o lugar. Cidade profundamente rica e plural.

É nesta cidade que queremos habitar e alargar o futuro. Sem perder a memória, resgatando toda a força do passado, do que foi lenta e invisivelmente construído, rendilhado de forma preciosa e que no presente se transformou numa perfeita tela flexível e poderosa, capaz de abraçar e projetar futuro.

No primeiro dia do ano, ao som da chuva, consigo imaginar mais um ano cheio de um brilho Azul  do Porto ponto.

Janeiro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Há datas cheias de brilho, são datas que pontuam a vida e nos lembram o seu valor. Dia 3 de Fevereiro é uma dessas datas. Dia do 3º aniversário do Museu das Marionetas do Porto e da pessoa que o sonhou João Paulo Seara Cardoso (1956-2010).

O Museu das Marionetas do Porto é um museu de autor, situado no Centro Histórico do Porto e com uma relação especial com a Cidade e com a comunidade, com a qual tem feito projetos de criação criando assim uma relação de proximidade.

Desde 2010, a reflexão sobre o que pode ser um museu hoje, tem sido uma das ideias presentes no meu trabalho.

De muitas cidades que visitei, trouxe sempre comigo as imagens e as experiências dos museus, das igrejas, dos teatros, das praças, das avenidas, como peças fundamentais na construção da identidade de cada cidade.

Os museus são lugares de contemplação, de encanto de descoberta. São lugares de silêncio e de felicidade. São lugares para percorrer em solidão diria, para que o nosso corpo tenha oportunidade de escolher e experimentar uma relação de amor e desprendimento. Uma peça exposta pode nos comover e isso é tocante.

Ao olhar o tempo para ali. Podemos ficar todo o tempo num ato de entrega, apenas uma condição, partirmos com mais intensidade e permitirmos que tudo permaneça da mesma forma, numa absoluta exaltação do belo.

Em Outubro de 2015 participei nos Encontros de Outono - Os Museu face à Crise económica na cultura: desafios e estratégias, organizados pelo ICOM e Museu Municipal de Penafiel.

Durante esse encontro muitas reflexões interessantes foram feitas, mas houve uma frase que me ficou mais presente: A Crise passa os Museus ficam. Achei curioso e profundo. Como se os Museus pudessem de alguma forma encontrar com muita imaginação e trabalho formas de resistir para que a crise na sua passagem devastadora não apague tudo, permita que algo possa permanecer para que a memória, esse lugar sensível não nos deixe escapar.

Essa frase, fez-me viajar de novo à reflexão da importância absoluta dos Museus, na sua capacidade de contagiar, no lugar pertinente dos museus hoje.

O Homem do século XXI precisa talvez cada vez mais de ter lugares assim. Lugares onde se possa encontrar, revisitar e inventar como homem.

Hoje os temas na arte são muitas vezes quase colados aos da vida quotidiana e surgem museus inesperados, como o Museu das Relações terminadas: a arte do fim do amor, Museum of Broken Relationsships em Zagreb, na Croácia. Este facto é bem revelador de uma aproximação da arte ao quotidiano e da absoluta necessidade do Homem inscrever a vida e registar as formas da sua passagem, mesmo quando o fim é ainda um ato de Amor.

Fevereiro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Todas as estações têm um encanto especial, a Primavera tem o encanto do canto dos pássaros e do reflorescimento da flora terrestre.

Voltar a nascer, a crescer a brotar. A Primavera faz-nos acreditar no poder da renovação, da beleza do começo como uma promessa de vida. Ela chega com o mês de Março que agora se inicia e além do sol, dos pássaros  e das flores lembra-nos que alguns dias são dedicados a coisas e causas muito especiais. Alguns exemplos deste mês: dia da vida selvagem, do ténis, do rim, do Pi,  da poesia, das marionetas, da árvore, do teatro, da páscoa. É sobre a celebração desses dias que reflito agora.
Como os dias de aniversário, os dias mundiais e os dias nacionais são momentos importantes para lembrar e nos deixar a pensar muitas vezes sobre temas que nos parecem distantes, e que algures os vamos acabar por tocar.
Para quem tem crianças e as ajuda a crescer, esses dias podem ser propósito para aproximar de coisas da vida de uma forma natural.
Por entre estes dias há alguns que podem conter uma extrema tristeza, que apesar de bela, não deixa de ser perturbadora. Falo no caso de Março, do dia do Pai, pensando também no dia da mãe. Acredito que nesses dias haja  muitas crianças e adultos que em silêncio ou em choro exprimem a ausência, seja pela perda, da morte, seja por outra razão.
Todos queremos dizer ao mundo aquilo que desde pequenos nos ensinam: - Mãe, és a melhor Mãe do Mundo! - Pai, és o melhor Pai do Mundo! E tantos outros calam as mesmas frases, sabendo dessa forma encontrar o Amor que refloresce a cada dia que passa. Não faço nenhum julgamento sobre a pertinência desses dias, sei que para os que têm pais e para os que não têm serão sempre dias de Amor, só por isso e apesar da extrema tristeza como referi, o propósito pode ser o mesmo, falar ao ouvido, baixinho, que a vida é como as estações do ano, e a cada início um novo canto.

viva a primavera
dedico este texto às minhas filhas

Março de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Dia 3 de Abril é o primeiro ensaio de mais um Romani, espetáculo que terá agora uma segunda versão. A primeira estreada no dia Mundial da Dança de 2015 teve uma maravilhosa receção do público que esgotou a sala Suggia da Casa da Musica.

Romani é um espetáculo que parte da identidade da comunidade cigana. Interpretado por bailarinos, músicos, técnicas dos bairros do Seixo e Biquinha e um grande número de pessoas de etnia cigana.

No palco, cerca de cem pessoas celebram a vida e a arte cigana, através da dança, da música e da religiosidade, numa criação que acima de tudo pretende dignificar uma cultura distinta.

O que fica em nós e o que levam os outros de nós em cada encontro?

É essa a pergunta que me fiz, agora antes de iniciar mais uma vez este trabalho tão especial.

Começo pelo fim, não sei o que ficou de mim em todos os que ao longo de vários meses, em cada ensaio de domingo se cruzaram neste trabalho, sei o que ficou de cada um em mim.

Em mim ficaram os olhares desconfiados, mas lentamente conquistados e felizes. O ar orgulhoso de existir. A cumplicidade do grupo. A inconformidade e a rebeldia boa.

Ficou o sentido de Festa, que já existia, mas que se redescobriu. Ficou a festa como prova de vida, como lugar onde a alegria e a tristeza são reconhecidas, sem negação. A Festa, como o lugar de exaltação do corpo no sentido de afirmar tudo o que é bom e tudo o que é mau de uma forma inteira.

Cada ensaio finalizou sempre com uma espécie de festa, uma festa pequena que foi crescendo e se tornou numa festa maior, muito maior, a festa de existir.

Naquele dia fomos todos ciganos, e aqui estamos de novo para voltarmos a ser.

Abril de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

ROMANI 02, teve estreia a 18 de junho de 2016 na Praça Guilhermina Suggia em Matosinhos. Integrado na programação de Matosinhos- Capital do Eixo Atlântico.

Precisei de um sonho

Demorei mais um dia, precisei de um sonho para terminar um texto.

Preciso sempre dos sonhos para criar, para escrever, é através deles que convoco a memória e encontro o sentido para construir e pensar futuro.

Nos últimos dias, a intensidade das coisas do presente, trouxeram imagens de exceção, imagens resgatadas à memória a propósito da cidade e da dança na cidade.

Escrevo este texto em pleno festival DDD Dias Da Dança que envolve as Câmaras das três Cidades Porto, Matosinhos e Gaia.
Um Festival que une vários parceiros numa grande cumplicidade artística.

Durante estes dias, mergulhada entre a dança que percorre as cidades danço primeiro e penso depois, a ordem natural segundo Samuel Beckett, que partilho em absoluto. O movimento do corpo que se estende para além de si, e que nessa extensão leva quem passa mesmo que sem intenção.

Sempre encontrei na cidade inspiração através do movimento incógnito dos corpos, sempre os imaginei atravessados por outros movimentos extra quotidianos, sempre olhei o espaço urbano como matéria, tudo isso me motivou a criação de um momento especial dedicado à dança e à performance para o espaço urbano.
Assim surge em 2013, o mais pequeno dos Festivais que criei: Corpo + Cidade, este ano, incluído no grande Festival DDD- Dias Da Dança. Curiosamente, Corpo + Cidade é o mais recente, o mais pequeno, mas contudo o que faz mais sentido para mim hoje, pensando a cidade atual neste trabalho coletivo entre as várias estruturas que operam na cidade, nomeadamente com o funcionamento pleno do espaço maior para a dança, o Teatro Municipal do Porto Rivoli.Campo Alegre.

Entre 1998 e 2001 criei e programei o Ciclo Movimentos que, entre outros, trouxe pela primeira vez ao Porto Jérome Bel, Mathilde Monnier, Xavier le Roy, Hans Hof Ensemble, Josef Nadj, Mark Tompkins, Jo Fabien, Georges Appaix, Kinkaleri, Raffaella Giordano.
Em 2001, numa colaboração com o Teatro Nacional S.João fiz uma programação de grande fôlego, a maior e a última, uma vez que logo a seguir a cidade teve uma abrupta política de recusa em relação à Cultura.
Na mudança, neste caso na excelência da mudança politica recente, a Cultura volta a ser amada, e invade a cidade devolvendo todo o trabalho dos artistas que de forma resiliente não desistiram do seu lugar na cidade.

Na passagem para o Edifício Axa, com o apoio da Porto Lazer/CMP, celebrando 30 anos de balleteatro, com Flávio Rodrigues, bailarino e coreógrafo iniciamos a nova aventura de programação com um nome CORPO + CIDADE. Esse festival que faz da rua, das praças e de cada lugar uma paragem e provoca os sentidos. Esse festival que é a extensão do trabalho que se realiza a partir de um novo lugar, onde o balleteatro é estrutura Artística Residente, refiro-me ao Coliseu Porto, hoje, um grande palco, um palco que se estende até à rua e abraça a Cidade.

Precisei de um sonho para terminar um texto, que não termina aqui, tudo está sempre a começar, essa é a beleza da vida.

Maio de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Junho é mês das Festas da Cidade. O Porto atinge a plenitude e a noite de S.João é o pico, a cidade toda está na rua e os cheiros típicos também.

Todos anseiam pela festa, a festa da abundância, da ousadia, de uma certa libertação.

Bate-se com o martelo na cabeça de quem passa, e de repente um sorriso inesperado acontece. Salta-se a fogueira, compra-se um manjerico. Convidam-se amigos para as famosas sardinhadas, e os vegetarianos comem broa, batatas e pimento assado. Brinda-se com muito vinho, tinto de preferência. Soltam-se os balões que parecem levar desejos, caminha-se até ao mar.

A festa da cidade de verdade acontece, porque a tradição atravessa o tempo e tem sido acarinhada.

Das festividades fazem parte também as famosas Rusgas de S.João, na qual todas as freguesias e União de Freguesias participam, e é um ponto alto da Festa, as Rusgas são uma tradição de 1957, recuperada pela Câmara Municipal do porto há alguns anos.

Em 2014, fiz parte do júri das Rusgas de S.João, foi um prazer enorme e uma tarefa difícil.
É a cidade a cantar e a dançar para si com o orgulho de cada bairro, de cada lugar, trazendo para fora o que ao longo de meses é genuinamente preparado. De tema livre, cada rusga mantem um traço tradicional ligado à história do Porto, tudo de forma original.
Para quem nunca assistiu, aconselho, é o Porto que ali passa de alma inteira. Como se fosse fogo humano que arde vendo-se, que exalta, sentindo-se.
É o Porto.

Nesta cidade tão bela
Há uma festa assim
Mesmo ficando à janela
A festa chama por mim

Junho de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Vista do céu a terra é um poema para mim. Vista daqui, a terra é um lugar sensível, desprotegido mas de uma força invulgar. Nela há lugares que sobressaem pelas histórias que sabem contar. Em muitos lugares distantes já encontrei o paraíso, um dia num desses lugares uma mulher negra, muito sábia disse-me que cada um tinha o seu paraíso e que em todos os lugares havia um. Essa imagem prosseguiu-me durante algum tempo.
Hoje percebo bem o que aquela mulher dizia. Hoje olhando do céu vejo poemas, são pequenos paraísos soltos.

Um poema na terra, pode ter muitas formas, tenho encontrado isso mesmo em diferentes momentos num lugar especial, o Porto. A possibilidade de experimentar a cidade em situações muito diversas, permite criar imagens novas que renovam a vivência do lugar.

Hoje a cidade é um poema. É um poema de Amor que se constrói a várias mãos, com a delicadeza do gesto.

Hoje na cidade há coisas que não se podem perder por preciosas que são. Escolho uma, por ser um programa relativamente recente e que ainda pode ser acompanhado até Dezembro. Elejo: Um Objeto e seus discursos por semana, por ser uma forma maravilhosa de descobrir a cidade através de objetos. Tenho acompanhado como público e em Junho também como convidada, e das duas formas encontrei uma razão para eleger este programa, porque nos permite criar uma nova cartografia da cidade através dos objetos e dos lugares. É uma experiência sensível através da qual nos aproximamos da história, da magia, das histórias e saímos sempre mais ricos.

E assim, numa espécie de Zoom até alguns pontos da cidade novos poemas podemos criar.

Aqui fica o convite, o acesso é gratuito.

Julho de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

De cada vez que partimos do Porto levamos a cidade inteira no coração.

De cada vez que voltamos, sentimos que mudou, sendo a mesma em todo o seu esplendor.

Como diz Agustína Bessa Luís: “Vivo aqui, mas o Porto não é para mim um lugar; é um sentimento", partilho em absoluto as suas sábias palavras. o Porto tem essa magia dos sentimentos, cresce connosco e liga-nos sem nos prender. 

Um destes dias, perguntaram-me quais os cinco lugares que mais gosto no Porto, a ideia era responder sem pensar demais. A minha resposta foi: Avenida dos Aliados, todo o Centro Histórico, a Cantareira, o Parque da Cidade e a Pérgola da Foz, se fosse preciso referir mais lugares, teria muitos para referir, estes desenham um possível itinerário que tenho o privilégio de habitar quase diariamente, nem que seja de passagem.

Se eu tivesse de fazer um jogo da Glória, a casa nº 1, a da partida, seria a Av.dos Aliados, onde actualmente nos sentimos como se estivéssemos na sala de estar da cidade. Ali, ouvimos grandes concertos, brindamos a passagem do ano, tantas e tantas coisas, até vemos futebol, sentados no chão com as estrelas no céu a brilhar.

Este texto tinha como primeiro título: Juntos e Aliados, e iria começar com o relato do dia 10 de Julho, em que pela primeira vez estive sentada na placa da avenida, a ver um jogo no meio da multidão, entre palavrões típicos de desconhecidos e genuinamente tripeiros. Juntos e Aliados, era esse o sentimento maior, que unia os portugueses naquela noite quente de Verão. A vontade colectiva de vencer parecia incendiar o céu.  

Precisei de todos estes anos para me sentar ali, a fazer algo pouco usual, ver futebol no meio da multidão e sentir uma cidade vibrante na sua afortunada diversidade, uma cidade sem complexos e extremamente viva.

É curioso como um lugar de passagem se transforma num lugar de estar e como regressando ao seu estado habitual, retoma as dinâmicas sem nada perder.

O Porto é não é um lugar, O Porto é uma forma de estar.

Agosto de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

A festa do silêncio seria para mim um título possível para a grande festa dos livros, aquela que inaugurou dia 2, na Avenida das Tílias no Palácio de Cristal. Este ano, com o tema Ligação, a Feira do Livro do Porto irá oferecer aos visitantes uma vez mais tantas e tão diversas descobertas. A Ligação entre as palavras e todos os universos possíveis, mesmo que aparentemente mais improváveis, conduzirá a Feira. As palavras soltam-se e movem-se por ali como matéria flexível, capaz de assumir diferentes formas.
Confesso, adoro a Feira do Livro neste novo lugar, a Avenida das Tílias, na qual se realiza desde 2014.

Gosto da força como se instala e contamina, ligando tantas coisas, transformando a Feira num grande lugar de encontro para todos.

A Feira, será sempre uma celebração dos livros, das palavras, capaz de um gesto maior, o de lembrar quão especial é hoje e talvez cada dia mais, ter um livro nas mãos e poder através dele descolar.

Como Ruy Belo, eu também amo as árvores, principalmente aquelas que dão pássaros. Na Feira do Livro do Porto as árvores que também dão pássaros, desde 2014, lentamente dão nomes.

Que bela forma essa de inscrever e homenagear os autores.

Viva a Festa do Silêncio

Setembro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Numa tarde de Outono, as cores invadem o meu pensamento.
Se perguntar qual a cor do Porto, creio que é para quase todos, azul.
Azul do mar, do céu, da marca Porto.
Hoje azul é também a sua identidade gráfica. Viver no Porto é viver numa cidade de cor imaterial, uma espécie de pintura entre o céu e a terra. Acredito que através dessa cor tão profunda, temos sabido encontrar o futuro, de forma harmoniosa.
E uma cidade azul também pode ser verde?
– Sim!!!
Sim, responde a alma azul.
O Porto é cada vez mais um lugar verde, de um verde profundo, de mudança em direção a uma maior atenção e consciência pela natureza, pelo futuro.
O verde é a cor do reino vegetal, a cor que nos devolve a esperança.
Hoje a cidade tem estratégia para o ambiente. Cuidar do ambiente é talvez a maior caricia que podemos fazer, um grande gesto de amor e de atenção com o futuro.
A cidade, tem revelado um olhar muito atento com o Ambiente.
A educação ambiental, uma questão fundamental que para alguns ainda parece algo doutro planeta, começa a ser algo concreto.
A eco-agenda, editada pela Câmara Municipal do Porto é um guia para estes assuntos. Nela encontramos informações sobre as estratégias, sobre serviços, sobre formas simples para tratar assuntos concretos, por exemplo indicações sobre compostagem caseira, contactos úteis, entre outras coisas e ainda lembrança de dias importantes para estas causas.
Viro a página da minha eco-agenda, para preparar a semana e encontro uma frase sobre o mês que agora começa:
Outubro quente traz o diabo no ventre. Sorrio e fico a pensar…
Que bom nascer numa cidade verde, com alma azul, num dia castanho.

Outubro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Novembro é o mês do Futuro no Porto, com um Fórum do pensamento que cria um espaço privilegiado à reflexão.

Ao pensar neste tema, recordei um texto que fiz para as conferências do futuro a convite do Fantasporto em 2012. O texto que agora escrevo é inspirado na minha reflexão e participação enquanto oradora numa dessas conferências.

O Futuro é um tempo que ainda não chegou mas já aqui está a ser antecipado, planeado, programado, imaginado…como numa brincadeira de criança, esse, este momento é talvez sempre o mais peculiar pela tensão que existe ao preparar, ao imaginar que vamos conseguir surpreender, vamos criar impacto, vamos Acontecer!

– Ainda não! Esta é uma das frases preferidas de uma criança, ou de um adulto quando se prepara para criar um efeito de surpresa, quando está antes da acção. E o ainda não é o tempo que não chegou mas é quase já Futuro.

O Futuro é um lugar mágico onde tudo ainda pode acontecer, e quanto mais belo tiver sido o passado mais mágico podemos imaginar o Futuro…

Há no futuro uma infindável margem de possibilidades, que se pensarmos são consequência de muitas decisões que hoje tomamos. Ainda não! Talvez fosse a expressão mais feliz para criar espaço de reflexão antes de agir. Ainda não! permite que Ainda sim! que é, Agora sim! A ação no presente que melhor vai deixar o futuro.

E o FUTURO será entender e ter passado, é na minha opinião esse o motor para a constante renovação, isso é a beleza das coisas e da vida. Olhar em frente sem perder de vista o que nos trouxe até aqui.
A existência de novos meios, de novas disciplinas, criou novas poéticas, essa renovação constante faz com que os dias não sejam iguais e criam futuro permitindo-nos sempre imaginar.
e assim antes do futuro acontecer eu digo Ainda Não!

Novembro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24

Porto. É o texto de despedida de um ano que termina e de um ciclo que encerro, pelo menos temporariamente. Ao longo de 2016 escrevi um texto por mês, inspirada pelo lugar, pela cidade onde cresci e onde todos os dias descubro o novo, como se tivesse a clara impressão de um futuro que está sempre para lá de nós.

Nesse futuro tento participar, de uma forma diria quase missionária. E é bom ver uma cidade florescer.
Hoje escrevo com luzes no coração, a pensar no Natal, essa época originalmente dedicada ao nascimento anual do Deus Sol, tão especial e tão delicada que provoca facilmente um misto de alegria e tristeza.

A Câmara Municipal do Porto inaugura dia 1 de Dezembro as luzes de Natal e em simultâneo a Árvore será erguida em frente aos Paços do Concelho.

Com a estrela no topo da Árvore, ela atingirá 30 metros de altura e fará o encanto de todos que por ali passem ocasionalmente ou propositadamente. A Árvore será o lugar de encontro de um sopro de Natal vivido em comunhão pública.
O branco quente, dourado e os pormenores azuis farão uma decoração azul sobre ouro, e irão vestir a cidade de um encanto especial.

É Natal e o brilho provoca a fraternidade, a comunhão o bem-estar, e uma cidade também é isso, esse sentido de união, de abraço coletivo.

No meu primeiro texto de 2016 terminei com esta frase:
No primeiro dia do ano, ao som da chuva, consigo imaginar mais um ano cheio de um brilho Azul do Porto ponto.
Neste último texto do ano, termino assim: no final deste ano, ao som da chuva, despeço-me dos leitores com um abraço azul céu, a pensar numa cidade que é um sentimento mais que um lugar.

Obrigada Porto 24
Obrigada, a todos, feliz 2017

Dezembro de 2016
Texto publicado originalmente no site Porto 24